ببینید چطور راجر دیکنز نور را یاد گرفت.

برای تماشای ویدیو آموزشی روی لینک کلیک کنید.

بیایید سینماتوگرافی را تعریف کنیم

درک سینماتوگرافی بسیار فراتر از تعریف آن است. فرهنگ لغت آن را به عنوان “هنر ساختن تصاویر متحرک” تعریف می کند. خوب، خوب این درست است، اما دیگر چه؟

سینماتوگرافی چیست؟

فیلمبرداری هنر و هنر ساختن تصاویر متحرک با ثبت تصویری یک داستان است. اگرچه، از نظر فنی، سینماتوگرافی هنر و علم ثبت نور به صورت الکترونیکی روی حسگر تصویر یا به صورت شیمیایی روی فیلم است.

تعریف سینما

سینماتوگرافی که از ریشه یونانی «نوشتن با حرکت» گرفته شده است، خلق تصاویری است که روی صفحه می بینید. مجموعه ای از نماها که یک روایت منسجم را تشکیل می دهند. فیلمبرداری هر نما را با در نظر گرفتن جایی که همه چیز در کادر نیاز به توجه دارد، می سازد.

عناصر سینما:

• نورپردازی
• اندازه شات
• فوکوس دوربین
• ترکیب شات
• محل قرارگیری دوربین
• حرکت دوربین

در حالی که کارگردان تصمیمات کلیدی را در مورد دوربین می گیرد، فیلمبردار در واقع آن را انجام می دهد. یکی از ملاحظات اصلی سینماگران نوردهی است – هنر دستکاری تنظیمات دوربین برای به دست آوردن ظاهر دلخواه تصویر.

عناصر سینما

یک سینماتوگراف چه می کند؟

یک فیلمبردار یا مدیر فیلمبرداری (کوتاه شده به DP یا DoP) رئیس گروهی است که سرپرستی دوربین و گروه نور را در یک فیلم به عهده دارد. آنها در کل تولید نقش دارند و برای خلق تصاویری که می بینید با کارگردان ارتباط نزدیک دارند.

چه عناصری را در نظر می گیرند؟ ما در اینجا به ملاحظات اساسی خواهیم پرداخت، اما در مورد وظایف یک فیلمبردار چیزهای بیشتری برای توضیح وجود دارد.

بیایید به کارگردان نمادین عکاسی، راجر دیکینز، و اینکه چگونه او در سال 1917 عکاسی کرد تا شبیه یک “یک نفر” به نظر برسد، نگاه کنیم. همانطور که او توضیح می دهد، انتخاب دوربین، آشنایی با انواع لنزهای دوربین و تکنیک های نورپردازی، همگی بخشی از شرح وظایف فیلمبردار هستند.

به طور خاص، این انتخاب ها در سال 1917 به گونه ای طراحی شده بودند که به همان اندازه یک POV اول شخص را در میدان جنگ به ما ارائه دهند.

برای دیدن ویدیو آموزشی روی لینک کلیک کنید.

محل قرارگیری دوربین

جایی که آنها دوربین را قرار می دهند به شدت بر نحوه واکنش مخاطب به عکس و در نتیجه بقیه صحنه تأثیر می گذارد. می تواند تأثیر عاطفی قابل توجهی داشته باشد یا حتی رفتار شخصیت را منتقل کند.

به عنوان مثال، اگر داستان از شخصیتی بخواهد که هنگام بیرون رفتن در یک قرار، بی ادب یا بداخلاق دیده شود، قرار دادن دوربین در نزدیکی دهان سوژه هنگام جویدن موثر خواهد بود.

در اینجا راهنمای کادربندی دوربین و ترکیب نماها آمده است تا به شما ایده دهد که یک کارگردان و فیلمبردار چه انتخاب هایی دارند و چگونه این انتخاب ها به داستان سرایی بصری کمک می کنند.

برای دیدن ویدئو آموزشی محل قرار گیری دوربین روی لینک کلیک کنید.

حرکت دوربین

حرکت دوربین می تواند احساسات و تعلیق را در یک صحنه افزایش دهد. حرکت دوربین را با کاراکترها انتخاب کنید و چشم انداز به دست آورید. دوربین را ثابت نگه دارید، و اکنون ما از آنها جدا شده ایم و به داخل نگاه می کنیم. ویدیوی ما را در مورد حرکت دوربین در زیر تماشا کنید.

برای دیدن ویدیو آموزشی حرکت دوربین روی لینک کلیک کنید.

ترکیب شات

ترکیب بندی به نحوه چیدمان عناصر یک صحنه در قاب دوربین اشاره دارد. ترکیب شات به چیدمان عناصر بصری برای انتقال پیام مورد نظر اشاره دارد.

یکی از عناصر بصری که باید به طور خاص مرتب شود، بازیگران شما هستند. آنها در کجای قاب خواهند بود؟ ویدیوی ما را در مورد مسدود کردن بازیگران در زیر تماشا کنید. این همچنین جدای از سری کلاس‌های آموزشی تکنیک‌های فیلم‌سازی ما است.

برای مشاهده ویدیو آموزشی روی لینک کلیک کنید.

برای ایجاد فریم های پویا می توان از مسدود کردن و مرحله بندی استفاده کرد. اگر علاقه مند هستید، یاد بگیرید که چگونه به ترکیب بندی شات تسلط پیدا کنید.

اندازه شات

واقعا چقدر از صحنه دیده می شود؟ آیا ما در نمای نزدیک شاهد تغییر حالت چهره سوژه هستیم؟ شاید این یک کلوزآپ افراطی از لباس یک سوژه باشد که به مخاطب نشان می دهد که باید به این موضوع توجه کند. در اینجا یک تفکیک ویدیو از هر نوع اندازه شات ارائه شده است.

فوکوس

بخشی از کار یک فیلمبردار این است که با فوکوس بازی کند تا بر جنبه های مختلف داستان تأکید کند. یک مثال اساسی از این موضوع نشان دادن سرمست بودن شخصیت با داخل و خارج شدن از فوکوس است. انواع مختلفی از فوکوس دوربین موجود است که هر کدام ارزش داستان سرایی خاص خود را دارند. در اینجا به تفکیک تمرکز و عمق میدان می‌پردازیم.

برای مشاهده ویدیو آموزشی روی لینک کلیک کنید

نورپردازی یک سینماتوگراف

در حالی که یک نورپرداز جداگانه وجود دارد، سینماتوگرافی این دانش را می طلبد. به هر حال، سینماتوگرافی همان چیزی است که ما روی پرده می بینیم، و این که صحنه چقدر خوب یا وحشتناک نورپردازی می شود، جنبه بزرگی از این هنر است.

نورپردازی 3 نقطه ای یک تنظیم نورپردازی بسیار رایج است، اما سبک ها و رویکردهای زیادی برای نورپردازی وجود دارد. به عنوان مثال، نورپردازی رامبراند ابعاد زیادی به نورپردازی صورت سوژه می بخشد و نورپردازی کیاروسکورو برای انتقال موقعیت های تاریک و خطرناک ایده آل است.

در اینجا قسمت دوم مجموعه تکنیک های فیلمبرداری ما با یکی از بهترین فیلمبرداران، راجر دیکینز است.

دنده دوربین

بدیهی است که شما به یک دوربین نیاز دارید اما چه تجهیزات دوربین دیگری را باید در نظر بگیرید؟ Steadicam به اپراتور دوربین آزادی فوق‌العاده می‌دهد، اما یک عکس عروسکی نیز ظاهر و احساسی متمایز به عکس می‌دهد. در اینجا راهنمای نهایی ما برای تجهیزات دوربین و نحوه استفاده از هر قطعه از تجهیزات برای بیان یک داستان متفاوت است.

این چیزهای زیادی برای در نظر گرفتن است! چگونه می توانید همه این تصمیمات را برنامه ریزی کنید، و بر اساس چشم انداز خود اجرا کنید؟

ابزارهای فیلمبرداری فیلم

عملی کردن تئوری با لیست های شات و استوری بورد
بنابراین، ما فقط آنچه را که یک سینماگر در نظر می گیرد، بیان کردیم. همه این اجزا – انتخاب عکس، حرکت دوربین، نور و غیره باید در جایی قرار گیرند.

یکی از ابزارهایی که برای DP (و کارگردانان) مفید است، فهرست عکس‌ها و استوری‌بردها هستند. معمولاً فیلمبردار و کارگردان با هم همکاری می کنند تا طرح اصلی خود را برای پروژه ترسیم کنند.

می‌توانید با نحوه ساخت استوری‌برد بیشتر بیاموزید، اما ما یک مثال در زیر برای ارائه ایده کلی به شما ارائه کردیم.

با استفاده از نرم افزار و همکاری با روسای بخش، همه این تصمیمات آسان تر است. تا زمانی که آنها به پروژه دعوت شده اند، می توانید نظرات خود را در زمان واقعی بنویسید و عکس ها را بر اساس آن تنظیم کنید.

به خاطر داشته باشید که تا آنجا که سایر ابزارهای فیلمبرداری، می توانید از هر نوع دوربینی برای فیلمبرداری یک فیلم استفاده کنید. اگر نمی توانید منابع هالیوود را بپردازید، می توانید مانند شان بیکر و رادیوم چونگ باشید که فیلمی برنده جایزه Tangerine را با آیفون فیلمبرداری کردند.

منبع: studiobinder.com

نوشته سینماتوگرافی چیست؟ تعریف هنر و مهارت مورد نیاز یک سینماتوگراف اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.

وزن بصری در عکاسی چیست؟

وزن یا تعادل اصطلاحاتی هستند که به تأثیر بصری عناصر در ترکیب بندی عکس شما اشاره می کنند. هر چه وزن بصری عنصر قوی‌تر باشد، بیشتر چشم را جذب می‌کند. برای رسیدن به یک ترکیب متعادل، به وزن بصری اشیا توجه کنید. برخی از اشیا در مقایسه با سایر عناصر در قاب حضور قوی تری خواهند داشت. می‌توانید انتخاب کنید که عناصر را اضافه یا حذف کنید.

قوانین مختلفی وجود دارد که می توانید برای متعادل کردن تصویر خود از آنها استفاده کنید. به عنوان مثال، مناطق روشن و تاریک راه های ساده و در عین حال موثری برای ایجاد تعادل هستند. مانند سایر زمینه‌های عکاسی، تصاویر منحصربه‌فردی که خلاف قوانین هستند نیز می‌توانند به خوبی کار کنند. اما بهتر است قبل از اینکه قوانین را زیر پا بگذارید، یاد بگیرید!

انواع تعادل وزن در عکاسی

1. تعادل وزن متقارن

وزن متقارن همچنین به عنوان “تعادل رسمی” شناخته می شود. این واضح ترین راه برای ترکیب تصاویر شماست. هنگام استفاده از این قانون، مهمترین عنصر خود را در مرکز قاب قرار می دهید. اکثر تصاویری که از تعادل وزن متقارن استفاده می کنند در فرمت افقی خواهند بود. این امر نشان دادن عناصر متقارن را آسان تر می کند.

لازم نیست عناصر دقیق و کامل باشند. آنها فقط به احساسی مشابه در وزن و حضور نیاز دارند که به آنها اجازه می دهد متعادل به نظر برسند. در عکاسی، چهار نوع اصلی تقارن وجود دارد. شما می توانید با تقارن عمودی، افقی، شعاعی و بازتابی آزمایش کنید. این تعادل وزن بصری بهترین انتخاب برای عکاسی از معماری و مناظر است.

2. تعادل وزن نامتقارن

وزن نامتقارن همچنین به عنوان “تعادل غیررسمی” شناخته می شود. دستیابی به این امر می تواند دشوار باشد، زیرا طبیعی تر است که از تعادل رسمی حمایت کنیم.

با پیروی از قانون یک سوم، به راحتی می توانید تصویر خود را به این شکل بسازید. تعادل غیررسمی به دستیابی به ترکیبات منحصر به فردی کمک می کند که توجه را به خود جلب کند. اگر احساس می کنید که صحنه متعادل نیست، یک یا چند سوژه ثانویه را در فضای باقی مانده قرار دهید. به عنوان مثال، ساختمان در تصویر بالا می تواند با یک پرنده یا هواپیما در فضای منفی آسمان تکمیل شود.

3. تعادل عکاسی با استفاده از اندازه

متوجه خواهید شد که اندازه یکی از بهترین راه ها برای نشان دادن یک ترکیب متعادل است. ما درک می کنیم که چیزهای بزرگتر به استفاده نزدیکتر هستند، حتی اگر همیشه اینطور نباشد. تغییر این ایده می تواند به شما در ایجاد تصاویر هیجان انگیز کمک کند.

اجسام بزرگتر وزن بیشتری نسبت به اقلام کوچکتر نگه می دارند. به همین دلیل توجه بیننده را بیشتر جلب می کنند. شما می توانید این کار را با دیدگاه خود انجام دهید. همچنین می توانید فاصله بین خود و سوژه اصلی خود را کاهش دهید. یا می توانید از کنار هم قرار دادن عناصر با اندازه های مختلف استفاده کنید. از این ابزار ترکیب بندی برای عکاسی منظره، خیابان یا معماری استفاده کنید.

4. ایجاد تعادل وزن با رنگ و اشباع

رنگ‌های تند و روشن بیشتر از رنگ‌های غیراشباع برجسته هستند. انفجار رنگ در پس زمینه ای ساده و یکنواخت توجه بیننده را به خود جلب می کند. این به شما امکان می‌دهد تصویر را تنظیم کنید و توجه را به یک یا دو شی جلب کنید. رنگ ها می توانند مکمل یکدیگر باشند. بنابراین، سعی کنید رنگ های مقایسه ای یا رنگ های متضاد داشته باشید تا به جذاب تر شدن تصویر کمک کنید.

داشتن رنگ های مشابه در کنار یکدیگر می تواند به انتقال روان از یک آیتم به آیتم دیگر کمک کند. این می تواند به نگه داشتن بیننده برای مدت طولانی تری کمک کند. این ابزار ترکیب بندی برای عکاسی پرتره، غذا و منظره مفید است. همچنین اگر می خواهید به ترکیب بندی هارمونی تسلط داشته باشید، یادگیری کمی در مورد تئوری رنگ و رنگ های متضاد نیز مفید است.

5. ایجاد تعادل وزن با تن و کنتراست

تن و کنتراست نقش مهمی در فرآیند عکاسی دارند. اجسام تیره‌تر وزن بیشتری نسبت به اجسام سبک‌تر دارند. می توانید از این برای عکاسی خود استفاده کنید.

تن و کنتراست در عکاسی سیاه و سفید بسیار قدرتمند هستند. در عکس‌های B&W، تمرکز بینندگان به جای رنگ‌ها، روی سوژه، بافت‌ها و الگوها است. نواحی با کنتراست بالا چشم را جلب می کند. سعی کنید از اشیاء تاریک در پس زمینه روشن یا برعکس، عکس بگیرید.

داشتن جزئیاتی در فضاهای منفی برای کمک به جذب بیننده، هوشمندانه است. این تکنیک در عکاسی منظره، معماری و خیابان مفید است.

6. تمرکز بر بافت ها برای وزن های بصری مختلف

الگوها و بافت ها جالب هستند؛ زیرا ما تمایل داریم آنها را جستجو کنیم و حتی بدون تلاش روی آنها تمرکز کنیم. بافت‌های قوی می‌توانند با متعادل کردن سوژه‌ای خارج از مرکز، به پشتیبانی از تصویر کمک کنند. اما، پس‌زمینه‌های بافت‌دار نیز می‌توانند توجه بیننده را از نقطه کانونی اصلی منحرف کنند.

بافت ها می توانند قوانین ترکیبی دیگر را تقویت کنند. شکل و فرم هر دو پیش زمینه و پس زمینه با یکدیگر بازی می کنند. به علاوه، بافت های مختلف وزن بصری متفاوتی به عناصر می دهند.

از این ابزار ترکیب بندی می توانید در عکاسی شهری، خیابانی، منظره و انتزاعی استفاده کنید.

7. تعادل وزن کانونی

فوکوس راهی است که ما می‌توانیم توجه بیننده را به ناحیه یا موضوعی در کادر خود وادار کنیم و به آن سوق دهیم. مواردی که در فوکوس قرار دارند وزن بصری بیشتری نسبت به مناطق خارج از فوکوس نگه می دارند. عمق میدان کم یا فوکوس دیفرانسیل، ابزاری قدرتمند برای حذف هر ناحیه ناخواسته از صحنه است.

بهترین چیز این است که مناطق خارج از فوکوس بافت مفیدی به ترکیب می دهند. آنها حتی ممکن است تکرار مواردی باشند که در فوکوس هستند، که به بیننده اجازه می‌دهد به محض یافتن ناحیه فوکوس به سمت آن سوق پیدا کنند.

برای رسیدن به این اثر از عمق میدان کم استفاده کنید. تعادل وزن کانونی در عکاسی منظره، غذا و ماکرو به خوبی عمل می کند.

8. استفاده از نور و تاریکی برای تعادل وزن بصری

نور و تاریکی ابزار بسیار قدرتمندی در عکاسی هستند. هر تصویر ترکیبی از نور و تاریکی است – یا سفید و سیاه و یا برجسته و سایه.

یک تصویر تیره‌تر می‌تواند به ایجاد فضایی بدیع که متناسب با موضوعات جدی‌تر و بحث‌برانگیزتر باشد کمک کند. برعکس، یک تصویر سبک تر می تواند احساس نرم تر و بی گناه تر را منتقل کند.

اگر این دو را با هم ترکیب کنید، می توانید وزن بصری متفاوتی به عناصر خاصی بدهید. همچنین، می‌توانید از تعادل نور-تاریکی برای ایجاد یک روایت برای تصویر خود استفاده کنید.

نواحی تیره تر، چشم بیننده را به سمت نواحی روشن تر می کشاند. برای مثال می توانید از این تکنیک برای قاب بندی طبیعی استفاده کنید. کادربندی طبیعی برای ایجاد جلوه کششی عالی است زیرا چشم تمایل دارد مناطق روشن‌تر را دنبال کند. شما می توانید این ابزار وزن بصری را تقریبا در تمام ژانرهای عکاسی اعمال کنید.

9. استفاده از افراد یا حیوانات برای تعادل وزن

گنجاندن افراد یا حیوانات می تواند در ایجاد تعادل در یک ترکیب موثر باشد. آنها موضوعات قابل توجهی هستند که ما می توانیم به سرعت آنها را شناسایی کنیم. بنابراین، هنگامی که آنها در تصویر قرار می گیرند، حس مقیاس را به ما می دهد و به ما کمک می کند تا علاقه ما در کادر باقی بماند.

آنها همچنین به دلیل مکان و اطراف خود به ما حس مکان و زمان می دهند. به عنوان مثال، می توانید بگویید که تصویر زیر یک تصویر طنز است. بدون عنصر انسانی، ما آن را ترسناک می دانیم.

عکاسی از افراد یا حیوانات پتانسیل ایجاد یک تصویر جالب را دارد. با استفاده از یک پس زمینه منحصر به فرد، می توانید کمک کنید که پیش زمینه جذاب تر به نظر برسد. این تکنیک وزن بصری برای عکاسی منظره و خیابان مناسب است.

10. تعادل وزن اتاق سرب

«اتاق سرب» یا «اتاق بینی» مفهومی در عکاسی است که در آن فضایی را در مقابل نگاه سوژه عکاسی می‌گذارید. این به بیننده اجازه می دهد تا ببیند که شخص به جایی نگاه می کند و نه تنها در انتهای کادر.

ما انتظار داریم فضا را در جهتی که سوژه به نظر می رسد ببینیم. در غیر این صورت، تصویری با ترکیب بندی خوب یا متعادل ایجاد نمی کند. اگر احساس می‌کنید که تصویر نامتعادل است، شیئی را که شخص به سمت آن نگاه می‌کند، وارد کنید.

همچنین حس کنجکاوی خاصی به تصویر اضافه می کند. از تکنیک اتاق سرب برای عکاسی پرتره و خیابانی استفاده کنید.

11. تعادل مفهومی وزن

یک ایده مفهومی می تواند ابزار بسیار قدرتمندی برای ایجاد یک ترکیب باشد. کنار هم قرار دادن مفاهیم می تواند از طریق تضاد ایده هایشان یک داستان یا علاقه ایجاد کند.

به عنوان مثال، تصویر زیر جدایی محله های ثروتمند و فقیر را نشان می دهد. می‌توانیم اندازه خانه‌هایشان، فضایی که دارند و حتی تفاوت‌های چشم‌اندازشان را ببینیم.

ایده های مفهومی پشت ترکیب می توانند از واضح به تفکر برانگیز تبدیل شوند. در تصویر زیر چند پله را می بینیم و پسری در پایین که به پله اول نگاه می کند.

این نشان دهنده چالشی است که پسر باید با هدف، تلاش و شجاعت بر آن غلبه کند. آنها به خوبی کار می کنند؛ زیرا دو ایده متضاد با یکدیگر تعادل برقرار می کنند. این تکنیک برای عکس‌هایی که می‌خواهید برای برانگیختن احساسات و تحریک افکار در بیننده استفاده کنید، به خوبی کار می‌کند.

نتیجه

راه های زیادی وجود دارد که می توانید از وزن بصری در عکاسی خود استفاده کنید. سعی کنید از قوانین ارائه شده در این مقاله هر بار یک تصویر استفاده کنید. اگر بخواهید از تعداد زیادی در یک تصویر استفاده کنید، ممکن است ترکیب شما خیلی گیج کننده شود!

در عوض، تقارن، اندازه و رنگ ها را آزمایش کنید. برای آشنایی بیشتر با ترکیب بندی، مقاله 21 قانون ترکیب بندی را بخوانید.

منبع: expertphotography.com

نوشته 8 نکته برای استفاده از وزن بصری در ترکیب بندی عکاسی اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.

در این مقاله، ما به شما کمک می کنیم تا تاکید را در عکاسی درک کنید. و ما بهترین نکات و تکنیک ها را برای تسلط بر آن داریم.

تاکید در عکاسی چیست؟

تاکید جایی است که ما به چیزی اهمیت خاصی می دهیم و آن را از هر چیزی که در اطرافش است متمایز می کنیم. ما می توانیم روی یک کلمه خاص در یک جمله تاکید کنیم و به پیام خود، معنای خاصی بدهیم. و منظور ما می تواند جایی را که تأکید می کنیم تغییر دهد.

در عکاسی هم همینطور است. تاکید در عکاسی می تواند به افراد یا اشیاء درون تصویر برجسته شود. تاکید بر موضوع ما اهمیت آن را در صحنه برجسته می کند و توجه بیننده را به خود جلب می کند.

تاکید در عکاسی به شما این امکان را می دهد که با تصاویر خود داستان بگویید. با تاکید مناسب عکاسی، هر عکسی می تواند به صحنه ای با روایت تبدیل شود. سوژه شما به نقطه کانونی تبدیل می شود و از همه چیز در اطراف خود متمایز می شود.

ما می‌توانیم از تکنیک‌های عالی ترکیب‌بندی عکاسی برای تأکید بر سوژه‌هایمان استفاده کنیم. ما در زیر به آنها با جزئیات نگاه خواهیم کرد، اما آنها شامل کنتراست، عمق میدان و فضای منفی هستند.

استفاده از تاکید در عکاسی به شما کمک می کند تا خود را به صورت بصری بیان کنید. استفاده از این تکنیک ها به شما امکان کنترل تصویر را می دهد. می توانید چشم بیننده را هدایت کنید و توجه او را در جایی که می خواهید نگه دارید. افزودن تاکید به شما کمک می کند تا داستان هایی را در هنرهای تجسمی بگویید.

10 نکته برای تاکید بر موضوع خود در عکاسی

اینها بهترین تکنیک های ترکیب بندی در عکاسی برای تاکید بر سوژه های شما هستند. اینها به دانش ترکیب بندی عکاسی شما می افزایند تا بتوانید بر روی عکاسی تاکید کنید. و همه آنها عالی عمل می کنند، چه با فیلم کار کنید و چه عکاسی دیجیتال.

1. به یک سوم فکر کنید

قانون یک سوم یکی از اساسی ترین نظریه ها در ترکیب عکاسی است. چارچوبی برای ساختار بخشیدن به تصویر به شما می دهد و به شما امکان می دهد بر موضوع خود تأکید کنید.

برای اعمال قانون یک سوم، باید کادر خود را به 9 مستطیل با اندازه مساوی تقسیم کنید. این کار را با دو خط عمودی و دو خط افقی به طور مساوی از هم انجام می دهید. این یک شبکه در داخل قاب ایجاد می کند. و این شبکه دستورالعمل هایی را برای یک ترکیب قوی به شما می دهد.

تقاطع خطوط به نقاط مورد علاقه شما تبدیل می شود. و اینها بهترین مکان ها برای اضافه کردن سوژه ها برای تاکید بیشتر هستند. استفاده از خطوط به عنوان راهنما برای قرار دادن سوژه، ساختاری محکم برای ترکیب بندی به شما می دهد.

شما می توانید از قانون یک سوم در عکاسی پرتره و منظره استفاده کنید. و بسیاری از دوربین های دیجیتال دارای گزینه قانون یک سوم هستند که شبکه را روی صفحه نمایش اعمال می کند. این یک شروع عالی برای تأکید بر موضوعات شما است.

2. به رنگ ها فکر کنید

تئوری رنگ یک ابزار ترکیب بندی عالی در عکاسی است. استفاده از ترکیب رنگ های مناسب می تواند به شما کمک کند تا در عکاسی تاکید بیشتری داشته باشید.

طرح های رنگی تک رنگ و مشابه برای ایجاد صحنه ای هماهنگ که در آن رنگ ها به طور یکپارچه ترکیب می شوند عالی هستند. اما اگر می خواهید از رنگ برای تاکید استفاده کنید، باید به دنبال رنگ های مکمل باشید.

رنگ های مکمل در دو طرف چرخه رنگ قرار می گیرند، مانند بنفش و زرد یا قرمز و سبز. وقتی با هم جفت می شوند برای چشم خوشایند هستند. اما آنها همچنین نمی توانند متفاوت تر باشند، به این معنی که از یکدیگر متمایز هستند. این ابزار عالی برای ایجاد تاکید در عکاسی شما است.

همچنین می توانید از طرح رنگ سه گانه برای تاکید بصری استفاده کنید. از سه رنگ استفاده می کند که همگی به طور مساوی روی چرخ قرار گرفته اند. و جدایی مساوی در چرخه رنگ به این معنی است که هر رنگ از بقیه متمایز است.

3. از کنتراست قوی برای برجسته کردن موضوع خود استفاده کنید

کنتراست زمانی است که شما دو ناحیه با تفاوت قابل توجه در نور دارید. یک منطقه تاریک و با نور بسیار کم خواهد بود. و دیگری با نور طبیعی یا مصنوعی روشن می شود. هنگامی که این موقعیت های مختلف نور در کنار هم قرار می گیرند، تصویری با کنتراست قوی خواهید داشت.

قرار دادن سوژه خود در فضایی با نور روشن که توسط تاریکی احاطه شده است، در تصویر شما تاکید ایجاد می کند. هر عنصری که در نور بنشیند از تاریکی اطراف خود متمایز خواهد شد. با عکاسی خیابانی و پرتره به خوبی کار می کند.

کنتراست نور یک ابزار بصری قدرتمند در عکاسی سیاه و سفید است. نورپردازی سوژه در مقابل یک قاب مشکی یکدست، تاکیدی پویا ایجاد می کند. فوراً توجه بیننده را جلب می کند.

4. سوژه خود را از طریق فضای منفی جدا کنید

فضای منفی فضایی است که شامل هیچ جزئیاتی نمی شود. این یک فضای خالی در تصویر شماست که می توانید از آن برای تاکید بر موضوع استفاده کنید. فضای منفی نقش مهمی در ترکیب بندی برای عکاسی مینیمالیستی دارد.

فضای منفی حواس پرتی را از عکس شما حذف می کند. اگر نواحی بزرگی دارید که در آن‌ها جزئیات بسیار کم است، چیزی نمی‌تواند توجه بیننده را از سوژه شما دور کند. ترکیب مینیمالیستی به این معنی است که هیچ عنصر دیگری برای دزدیدن کانون توجه وجود ندارد.

فضای منفی همیشه سفید نیست. این می تواند یک بلوک رنگی صاف یا یک سطح با جزئیات بسیار کمی باشد. شما می توانید از آسمان در یک روز صاف یا سطح ساکن یک بدنه آبی استفاده کنید. شما می خواهید این کمبود جزئیات توجه را به سوژه اصلی شما جلب کند.

5. یک افکت بوکه با عمق میدان کم ایجاد کنید

عمق میدان به میزان فوکوس بودن تصویر شما اشاره دارد. اگر عمق میدان زیادی دارید، قسمت جلو و پشت سوژه شما نیز در فوکوس خواهد بود. عمق میدان زیاد در عکاسی منظره معمولی است.

عمق میدان کم به این معنی است که جزئیات جلو و پشت سوژه شما خارج از فوکوس هستند. این افکت پس‌زمینه تار «بوکه» نامیده می‌شود و یک تکنیک عالی برای اضافه کردن وزن بصری به سوژه شما است.

استفاده از افکت بوکه به این معنی است که سوژه شما تنها چیزی است که در فوکوس است. هر چیز دیگری در عکس با بافتی نرم محو خواهد شد. این فوکوس انتخابی به این معنی است که سوژه شما به عنوان نقطه کانونی تصویر شما برجسته می شود. این یک تکنیک عالی برای تأکید بر سوژه در عکاسی پرتره است.

6. از خطوط پیشرو برای هدایت چشم استفاده کنید

به دنبال خطوط در محیط خود باشید. آنها می توانند مستقیم یا منحنی باشند. و خطوط می توانند عمودی، افقی یا مورب باشند. ایده این است که از این خطوط برای هدایت چشم بیننده به سوژه اصلی خود استفاده کنید.

خطوط پیشرو یک ابزار ترکیبی عالی برای تأکید بر موضوع شما هستند. خطوط از ریل قطار یا حصار کنار جاده، باید بیننده را به سمت موضوعی سوق دهند که می‌خواهید بر آن تأکید کنید. خطوط مسیری را برای چشمان ما ایجاد می کنند که آن را دنبال کند.

خطوط اصلی به تأکید بر موضوعاتی کمک می کند که از دور هستند یا شاید به خودی خود برجسته نیستند. و این خطوط می توانند به سوژه شما کمک کنند تا در یک عکس شلوغ برجسته شود.

7. یک قاب در چارچوب خود پیدا کنید

می توانید از فریم های طبیعی در محیط خود برای کادربندی سوژه خود استفاده کنید. قاب می تواند یک پنجره، یک شکاف در یک دیوار، یا شکاف در برخی از شاخ و برگ باشد. مهم نیست که از چه چیزی ساخته شده است، ساختار توجه بیننده را به سوژه شما جلب می کند.

شما باید نقطه ای را پیدا کنید که سوژه اصلی شما را در کادر قرار دهد. همه عناصر دیگر با سوژه شما در این قاب طبیعی ثانویه خواهند شد. همچنین می‌توانید از عمق میدان کم استفاده کنید، بنابراین کادر طبیعی برای تأکید بیشتر خارج از فوکوس است.

8. به دنبال چیزی متفاوت باشید

راه دیگر برای تأکید بر سوژه خود در عکاسی این است که آن را در کنار چیزهایی قرار دهید که یکسان نیستند. چیزهایی که یکسان نیستند می توانند به معنای اشیایی باشند که کاملاً متفاوت هستند، مانند سگ و گیتار. یا می تواند دو چیز باشد که تفاوت جزئی با هم دارند، مثل یک گل با رنگی متفاوت از اطرافش.

اشیاء دیگر می توانند سوژه اصلی شما را احاطه کنند، اما باید منحصر به فرد باشند. شاید این می تواند یک گوجه سبز باشد که در انبوهی از گوجه های قرمز نشسته است. یا می تواند یک گوسفند سفید در گله گوسفند سیاه باشد. کنار هم قرار گرفتن بر موضوع شما تاکید می کند و آن را از بقیه متمایز می کند.

9. به دنبال سطوح بافت دار برای اضافه کردن وزن به موضوع خود باشید

بافت های خشن توجه را جلب می کنند و وزن بصری بیشتری نسبت به سطح نرم یا صاف دارند. و تضاد بافت خشن سوژه با نرمی می تواند به تعریف آن به عنوان نقطه کانونی تصویر کمک کند.

اگر نمی توانید یک بافت دندانه دار در کنار چیزی صاف پیدا کنید، می توانید با دوربین خود به آن برسید. استفاده از عمق میدان کم، تمرکز تمام عناصر بصری اطراف سوژه شما را ملایم می کند. بافت خشن با بوکه نرم کنار هم قرار می گیرد و بر سوژه شما تأکید می کند.

10. از یک ترکیب فشرده برای تاکید شخصی استفاده کنید

اگر می‌خواهید تمام حواس‌پرتی‌ها را حذف کنید، به سراغ یک تصویر برش‌خورده بروید. این تکنیک ترکیب بندی در عکاسی پرتره قدرتمند است. و با موضوعات انسانی و حیوانی به خوبی کار می کند.

به جای اینکه شخص یا حیوان را به عنوان سوژه خود داشته باشید، روی چشمان آنها تمرکز می کنید. چشم ها به سوژه اصلی شما در تصویر تبدیل می شوند. این یک عکس شخصی و احساسی است. و چشم ها نگاه بیننده را نگه می دارند. عنبیه نیز برای تاکید بیشتر رنگی به آن اضافه می کند.

نتیجه

تاکید در عکاسی به معنی برجسته کردن سوژه شماست. شما می خواهید سوژه شما به وضوح در تصویر مشخص شود تا توجه بیننده را به خود جلب کند.

این تکنیک های ترکیب بندی عکاسی به شما کمک می کند تا روی سوژه خود تأکید کنید. می توانید از آنها با پرتره و مناظر یا عکاسی خیابانی و عکاسی خبری استفاده کنید.

تسلط بر تاکید در عکاسی به شما امکان کنترل بیشتری بر تصاویرتان می دهد. از این تکنیک ها برای ساختن تصاویر قدرتمند و گفتن داستان های هیجان انگیز استفاده کنید.

منبع: expertphotography.com

نوشته تاکید در عکاسی چیست؟ چطور در عکاسی روی موضوع تاکید کنیم؟ اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.

اگر برای رویداد شب بعدی خود به دوربین نیاز دارید، Fujifilm X100V یک انتخاب عالی است. دارای لنز با دیافراگم سریع برای عکاسی در نور کم. کیفیت تصویر فوق العاده است. و حالت های شبیه سازی فیلم را برای عکس های سبک, یکپارچه سازی با سیستم عامل.

15 نکته برای عکاسی از رویدادهای شبانه

این نکات طیفی از موضوعات را پوشش می دهد. آنها را دنبال کنید و در راه گرفتن عکس های زیبا و خاطره انگیز از رویدادهای شبانه لذت ببرید.

1. در مورد مکان عکاسی رویداد شب تحقیق کنید

آیا قصد عکاسی از کلوپ شبانه را دارید؟ یا این یک رونمایی کتاب با عصرانه است یا یک شب بازار ؟

اولین کاری که باید انجام دهید این است که تا حد امکان در مورد رویداد و مکان آن اطلاعات کسب کنید. سوالاتی که من اغلب قبل از شروع به کار از خودم می پرسم شامل موارد زیر است:

• آیا جایی برای پارک ماشین یا دوچرخه من وجود خواهد داشت؟
• محیط زیست چقدر امن است؟
• فضای خصوصی است یا عمومی؟
• مکان های مهم با دسترسی سریع و آسان کجا هستند؟
• نقاط دیدنی منحصر به فرد کجا هستند؟
• پیش بینی آب و هوا چیست؟
• چه زمانی خورشید غروب می کند؟ از کدام زاویه؟
• چه نوع روشنایی در دسترس خواهد بود؟
• چقدر شلوغ خواهد بود؟
• آیا من افراد دیگری را آنجا خواهم شناخت؟
• داشتن پاسخ به این سوالات، غافلگیری را به حداقل می رساند. و به شما کمک می کند تا برای بسیاری از شرایط ممکن آماده شوید.

2. از بهترین لنزهای عکاسی با نور کم استفاده کنید

آیا از یک رویداد شبانه آرامش‌بخش با فضای زیاد عکاسی می‌کنید؟ تمام لنزهای خود را ببرید و از همه آنها استفاده کنید! بیشتر رویدادهایی که در شب عکاسی می کنم شلوغ و پر انرژی هستند. من باید لنزها را سریع عوض کنم، بنابراین با یک nifty fifty چسبیده و زوم می کنم.

Canon EF 50mm f/1.8 STM بهترین گزینه برای شروع است. کیفیت نوری واقعا خوب است. دیافراگم سریع f/1.8 max دریافت می کنید که در نور کم مفید است. و این یک معامله مطلق است.

این لنزها به من اجازه می دهند سه کار را انجام دهم:

• خلاق بودن
• فضا را منتقل کنید
• عکس‌های رویداد شبانه به سبک پاپاراتزی بگیرید

3. روی سه پایه یا مونوپاد سرمایه گذاری کنید

هر رویدادی در نور کم یا شب در یک کنسرت یا کلوپ شبانه برگزار نمی شود. سه پایه ها و مونوپادها برای رویدادهای هنری و کنسرت در محیط های ساکت تر فوق العاده هستند.

اگر می‌خواهید عکس‌های آتش‌بازی واضح بگیرید، مونوپاد و 3 پایه ضروری هستند. آیا مطمئن نیستید که برای شب به سه پایه یا مونوپاد نیاز دارید؟ یک مونوپاد سبک و جمع و جور بردارید تا شما را سنگین نکند.

اگر بودجه کمی دارید، روی یک سه پایه کوچک سرمایه گذاری کنید که داخل کیف شما قرار می گیرد و در هزینه هایتان صرفه جویی می کند!

ما سه پایه Vanguard Alta Pro 263AB را برای عکاسی در شب پیشنهاد می کنیم. این ترکیبی عالی از کیفیت ساخت و مقرون به صرفه بودن است. قوی است و امکان تنظیمات دقیق را فراهم می کند. این بهترین راه برای گرفتن عکس های عالی در رویدادهای شبانه است.

4. در محیط های مختلف عکاسی با نور کم عکاسی کنید

عکاسی در شب نیاز به تمرین دارد. در اواخر بعد از ظهر یک پیک نیک جمع کنید و از بیرون عکس بگیرید. سپس تا عصر ادامه دهید. چگونه تنظیمات دوربین خود را برای نور کم تغییر دادید؟

عکس های گرفته شده در نور روز ابری، ساعت طلایی، ساعت آبی و شب را مقایسه کنید. به منابع نور مصنوعی و اینکه آیا آنها عکس های شما را بهبود می بخشند توجه کنید. سپس متوجه خواهید شد که کدام محیط کم نور مناسب سبک عکاسی شما است.

5. از هر منبع نوری که می توانید پیدا کنید استفاده کنید

مهم نیست که وسایل شما چقدر شیک هستند، همیشه در عکاسی از رویدادهای شبانه خود به منبع نور نیاز دارید. فقط به نور مصنوعی معمولی مستقیم تکیه نکنید. چند مثال جالب تر شامل موارد زیر است:

آتش سوزی ها
نور شمع
چراغ خیابان
آتش بازی
آثار هنری نورانی
انعکاس نور روی فلز و شیشه
لیزرها
چراغ های پری
میله های براق
تلفن های همراه
صفحه نمایش و مانیتور
دوربین دیگران فلاش می زند
بازتابنده ها بهترین راه برای مهار نوری هستند که در دسترس دارید. می توانید از آنها برای انعکاس نور در جهات مختلف استفاده کنید و به خودتان گزینه های نور بیشتری بدهید.

6. دیافراگم خود را باز کنید تا نور وارد شود

تنظیم دیافراگم در عکاسی از رویدادهای شبانه، می تواند دشوار باشد. هنگام عکاسی از یک گروه در یک رویداد، از f/5.6 استفاده می‌کنم تا مطمئن شوم همه در فوکوس هستند. اگر از یک شخص یا جزئیات مهمانی عکس می‌گیرم، از f/4 و پایین‌تر استفاده می‌کنم. این باعث ایجاد یک افکت بوکه عالی می شود.

7. برای نور بیشتر در شب، ISO خود را افزایش دهید

عکاسی با ISO 100 بهترین کار را برای به حداقل رساندن نویز در عکس های شما دارد. اما در نور کم، ISO بالاتر اغلب لازم است. از بالاترین ISO استفاده کنید که کیفیت عکس را به خطر نیندازد. این عدد به دوربین ها و محیط های مختلف بستگی دارد. آیا از فلش استفاده می کنید؟ ببینید آیا می توانید تنظیمات ISO 100 را حفظ کنید.

8. سرعت شاتر خود را برای عکس های خلاقانه کاهش دهید

اگر به گرفتن تصاویر واضح عادت دارید، رعایت این نکته ممکن است سخت باشد. با کاهش سرعت شاتر، می‌توانید یک چرخش خلاقانه را به رویداد یا مهمانی‌ای که عکاسی می‌کنید معرفی کنید.

این اجازه می دهد تا نور بیشتری وارد دوربین شما شود. بنابراین اگر نور بیش از حد گرفته شود، می تواند منجر به نوردهی بیش از حد شود. اما شما همچنین می توانید “نقاشی با نور” کنید یا مسیرهای نور یا حس حرکت را در یک عکس ایجاد کنید.

دومی اغلب به عنوان “تاری حرکت” شناخته می شود. هنگامی که یک شی به سرعت حرکت می کند، شی تار به نظر می رسد و شاتر برای مدت طولانی باز است. این می تواند برای ایجاد حس حرکت یا برای انتقال حس سرعت در عکس استفاده شود.
اما در صحنه‌های متحرک به مقداری آزمایش نیاز دارد. این به نکته بعدی ما منجر می شود.

9. از Motion Blur برای انتقال انرژی استفاده کنید

کمی حرکت بخش بزرگی از داستان شما را بیان می کند. از “نقص” تاری حرکت نترسید. رویدادهای شبانه گاهی اوقات می توانند مناسبت های شاد و مفرح باشند. گرفتن سرهای چرخان، تکان دادن دست ها و پاهای رقصنده با کمی تاری بیننده را در صحنه قرار می دهد.

10. از حالت عکاسی متوالی استفاده کنید

اگر اکشن در یک باشگاه یا مهمانی سریع انجام می شود، از تنظیمات عکاسی متوالی استفاده کنید. در میانه هرج و مرج، بررسی عکس های خود و منتظر ماندن برای لحظه مناسب دشوار است. استفاده از حالت عکاسی پیاپی عکس های زیادی را برای انتخاب در اختیار شما قرار می دهد. هر کدام افراد را در مکان ها و موقعیت های کمی متفاوت نشان می دهد.

این بر نحوه رسیدن نور موجود به سوژه های مختلف تأثیر می گذارد. چرخش سر یک نفر در لحظه مناسب ممکن است لحظه ای عالی (در مقابل نور روز) را نشان دهد. حرکت رقص یک مهماندار ممکن است نورهای لیزر را برجسته کند.
اما انتخاب بهترین عکس خود در حالی که راحت پشت میزتان نشسته اید، بعد از آن با یک فنجان قهوه بسیار ساده تر است.

11. اتاق را کار کنید و به اطراف حرکت کنید

مواقعی وجود دارد که در طول عکاسی شبانه از رویدادها الهام گرفته ام. معمولاً زمانی است که من سعی می کنم مثلث نوردهی را در نور بسیار کم متعادل کنم. بهترین راه برای رفع این مشکل پیاده روی است. منطقی به نظر می رسد، اما همیشه باید به خودم بگویم این کار را انجام بده! برای یافتن منابع نوری قوی‌تر و غیرعادی‌تر، نقاط برتر را پیدا کنید.

12. با ادیت خود معتبر باشید

فقط به این دلیل که می توانید، به این معنی نیست که باید. هنگام انجام تنظیمات پس از تولید، به یاد بیاورید که نور در آن زمان چگونه به نظر می رسید. شما می توانید به طور چشمگیری کل صحنه را روشن کنید یا تمام سایه ها را روشن کنید.

اما آیا این همان چیزی بود که در شب تجربه کردید؟ چگونه روایت عکس را تغییر می دهد؟ ویرایش اولیه خود را ظرف 24 ساعت پس از یک رویداد زمانی که شرایط نور در حافظه شما تازه است، انجام دهید.

13. افزایش درخشندگی برای پایان صاف تر

آیا از ایزو بالا برای عکاسی از رویداد شبانه خود استفاده کردید؟ نوار لغزنده luminance را در ادیت بهینه سازی کنید تا نویز را از بین ببرید. اما زیاده روی نکنید. در غیر این صورت، جزئیات مهم تصویر را از دست خواهید داد.

14. تبدیل به سیاه و سفید

رنگ ها در عکس های رویداد شبانه ظاهر می شوند. اما نور مصنوعی می تواند بر تن ها ویرانی وارد کند. بنابراین سعی کنید عکس خود را به سیاه و سفید تبدیل کنید. لغزنده های رنگی را برای افزایش نور در قسمت های مختلف عکس تنظیم کنید. این به شما کنترل بیشتری را به جای تکیه بر نوار لغزنده نوردهی می دهد.

حس خنکی و ماندگاری

رنگ‌های سیاه و سفید به عکاسی از رویدادها نیز حس خنکی و ماندگاری را اضافه می‌کنند. اگر عاشق عکاسی سیاه و سفید هستید، Leica M10 Monochrome ممکن است دوربین مناسب شما باشد. به بودجه زیادی نیاز خواهید داشت اما تصاویری با کیفیت باورنکردنی برای عکاسی سیاه و سفید در شب ارائه می دهد.

15. تا جایی که می توانید در رویدادها شرکت کنید تا تجربه کسب کنید

یک لیست نهایی از رویدادهای آینده در شب و در نور کم تهیه کنید. ممکن است شامل یک جشن تولد معمولی، یک جشن تعطیلات عمومی، یا یک کنسرت خاص در شهر باشد. سپس تا حد امکان در رویدادهای مختلف عصر شرکت کنید. شما ایده های تازه عکاسی در شب را به دست خواهید آورد. و همچنین زندگی اجتماعی خود را تقویت خواهید کرد!

سوالات متداول در مورد عکاسی از رویدادهای شبانه

در اینجا پاسخ رایج ترین سوالات در مورد عکس گرفتن در رویدادهای شبانه وجود دارد.

نتیجه

اگر به دنبال ارتقاء بازی عکاسی خود هستید، یادگیری نحوه گرفتن عکس های عالی در شب ضروری است. امیدواریم 15 نکته ما برای عکاسی از رویدادهای شبانه به شما کمک کند تا عکس های خارق العاده بگیرید. اگر به دنبال یک دوربین جدید هستید، مقاله بعدی در مورد بهترین دوربین ها برای نور کم را بخوانید.

منبع: expertphotography.com

نوشته 15 نکته عکاسی از رویدادهای شبانه (نور و بهترین تنظیمات دوربین) اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.

سپس چندین تکنیک نورپردازی را که با هر بودجه ای قابل دستیابی هستند، تجزیه می کنیم. اگرچه نورپردازی سینمایی مبتنی بر تفسیر خلاقانه است، اما این اصول نورپردازی فیلم می تواند مبنای انتخاب های خلاقانه شما باشد. برای نشان دادن این موضوع، ما چندین مثال از این که چگونه بهترین DPs (مدیران عکاسی) جلوه‌های سینمایی خاصی را با تنظیمات نورپردازی متفکرانه خود ایجاد می‌کنند، آورده‌ایم. برای الهام گرفتن آماده شوید!

انواع تکنیک های نورپردازی فیلم:

• روشنایی 3 نقطه ای اصلی
• نورپردازی فیلم نرم
• نورپردازی فیلم سخت
• نورپردازی با انگیزه
• نورپردازی فیلم طبیعی
• بهترین کتاب های نورپردازی

1. انواع سینمایی نورپردازی در فیلم

هر فیلمبردار هنرمندی است که با استفاده از تجهیزات نورپردازی، تصمیمات خلاقانه ای در مورد نحوه هدایت چشم بیننده در کادر می گیرد.

کاربردهای آنها گسترده است، اما تفسیر خلاقانه آنها چیزی است که نورپردازی آنها را سینمایی می کند (یا نه). آنها عبارتند از:

بر روی کدام وسایل و عناصر صحنه باید تاکید شود

ما صحنه را از منظر چه کسانی می بینیم و چقدر نور باید بتوانند ببینند؟
تفاوت شخصیت ها با یکدیگر در یک قاب؟
کدام احساسات از طریق سختی نور یا رنگ آن بیان می شوند؟
سپس هر یک از این تصمیمات از نظر فنی با برنامه ریزی و اجرای تنظیمات نورپردازی برای ایجاد جلوه مورد نظر محقق می شود. اما فیلمبردار باید قبل از راه‌اندازی تجهیزات نورپردازی رویایی داشته باشد که این جلوه‌ها چه خواهند بود.

تکنیک های نورپردازی فیلم – نورپردازی 3 نقطه – پل جاسوسان
DP Janusz Kaminski و تجهیزات نورپردازی او • Bridge of Spies
کاربردهای آنها گسترده است، اما تفسیر خلاقانه آنها چیزی است که نورپردازی آنها را سینمایی می کند (یا نه). آنها عبارتند از:

2. تکنیک نورپردازی فیلم نور پایه: تنظیم نور 3 نقطه

ابتدایی ترین نورپردازی در فیلم، تنظیم نور سه نقطه ای است. نورپردازی از سه جهت به سوژه شما شکل می دهد و آنها را از پس زمینه خود متمایز می کند. برای رسیدن به این هدف، تجهیزات نورپردازی فیلم شما باید از سه جهت رو به سوژه شما باشد: جلو، عقب و کنار (به طور کلی).

نور کلیدی Key light

نور کلیدی نوری است که بیشتر در کادر شما ثبت می شود. بنابراین، وقتی به تصویر آملی در بالا نگاه می‌کنید، می‌بینید که قسمت سمت راست صورت او روشن‌ترین قسمت است. این چراغ کلیدی است.

نور پرکننده Fill light

خیلی ساده، نورهای پرکننده سایه‌های کادر شما را پر می‌کنند. متوجه خواهید شد که قسمت سمت چپ صورت آملی در سایه است، اما ویژگی های او هنوز به وضوح قابل مشاهده است. این یک نور پرکننده در محل کار است.

نور پس زمینه Back light

نور پشتی یک نور لبه به دور سوژه شما می دهد. اغلب، نور پس‌زمینه از زاویه‌ای بالاتر پایین می‌آید. می بینید که آملی در امتداد شانه ها و پشت گردنش یک کانتور سبک دارد. به طور کلی می خواهید دوربین خود را با کلیدی و نور های پر کننده پر کنید که در حدود 60 درجه از یک محور از دوربین خود فاصله دارند.

3. نور فیلم نرم Soft film Lighting

وقتی صحبت از احساس احساسی یک صحنه می شود، چیزی که اغلب توسط سینماگران به آن اشاره می شود این است که نورپردازی چقدر باید سخت یا ملایم باشد. سختی یا نرمی نور به بزرگی منبع نور و تأثیر آن بر سایه های سوژه مربوط می شود.

نور کلید بالاتر Higher key light

این افکتی است که با افزایش نور کلیدی و استفاده سخاوتمندانه از نور های پرکننده ایجاد می شود. این کار نور را روشن و متعادل نگه می دارد و تقریبا هیچ سایه ای ایجاد نمی کند. این کار نور را از یک شی به شیء دیگر در کادر شما متعادل می کند – که به عنوان نسبت روشنایی شما شناخته می شود.

نورپردازی از بالای سر Diffused overhead lighting

می توانید منبع نور را با مواد پخش کننده مانند ژل یا فانوس های چینی نرم کنید تا سایه ها را کاهش دهید. این برای عکاسی از نمای نزدیک عالی است.

4. تکنیک نورپردازی سخت فیلم

برعکس، منابع نوری کوچکتر، از جمله نور شدید خورشید، سایه های سوژه شما را افزایش می دهند. محافظه کارانه، باید از این امر اجتناب شود. اما همچنین می‌تواند جلوه‌های دراماتیک ایجاد کند، همانطور که در فیلم کلاسیک فیلم نوآر که شخصیت‌های مشکوک و فرار را به نمایش می‌گذاشت، رایج شد.

نور ضربه زن با پر کردن نرم KICKER LIGHT WITH SOFT FILL

در این افکت، نور پس زمینه به سمت صورت سوژه شما برخورد می کند. این می تواند یک لبه فرشته ای از نور ایجاد کند، در حالی که نور پرکننده بسیار ملایم صورت را به آرامی روشن نگه می دارد.

نور کم کلیدی LOW KEY LIGHT

نور کم کلید به، به حداقل رساندن یا حذف نور پرکننده عکس شما اشاره دارد به طوری که عمداً سایه باشد. این می تواند اثرات دراماتیک، مشکوک یا حتی ترسناک ایجاد کند.

5.نورپردازی با انگیزه

وقتی سینماگران مجموعه‌ای را روشن می‌کنند، همیشه از خود می‌پرسند نور از کجا درون صحنه می‌آید، . برای مثال، آنها ممکن است نورهای عملی را که قبلاً در یک مکان هستند انتخاب کنند و جلوه آنها را افزایش دهند. این نورپردازی با انگیزه است.

راجر دیکینز، فیلمبردار برنده اسکار، به دلیل انتخاب نورپردازی با انگیزه شهرت دارد. این عکس از کار او در ترور جسی جیمز توسط رابرت فورد بزدل را در نظر بگیرید:

همانطور که می بینید نورپردازی در این صحنه با انگیزه فانوس هایی است که توسط بازیگران حمل می شود. وقتی نورپردازی با انگیزه به درستی انجام شود، مخاطب از خلاقیت در کار بی خبر است.

روشنایی مجموعه عملی

اغلب اوقات، استفاده از لامپ ها و سوکت های نور موجود در اطراف مجموعه می تواند برای نورپردازی یک صحنه استفاده شود. این نورپردازی عملی نامیده می‌شود و به‌ویژه زمانی مفید است که بخواهید بخش‌های وسیعی از مجموعه را آشکار کنید یا در زمان‌های طولانی‌تری در اطراف آن حرکت کنید.

این مورد در صحنه غذاخوری در مهتاب بود. در مصاحبه ای با TIFF Originals، DP James Laxton در مورد چگونگی استفاده از نورپردازی عملی برای نمایش مکان خود در فریم های عریض صحبت کرد.

در اصل، او لامپ های منابع نور موجود در اطراف غذاخوری را عوض کرد تا آنها را قوی تر کند. از آنجایی که صحنه بخش‌های وسیعی از موقعیت مکانی آنها را نشان می‌دهد، او به منابع عملی تکیه کرد و برخی از مات‌های نور LED را نیز برای نور ملایم و متعادل اضافه کرد.

در اینجا راجر دیکینز در مورد رویکرد خود به نورپردازی عملی بحث می کند و اینکه چرا نور “بی انگیزه” همیشه او را از فیلم خارج می کند.

6. تکنیک نورپردازی فیلم با نور طبیعی

نورپردازی طبیعی فیلم به استفاده و اصلاح نوری که از قبل در محل شما در دسترس است، اشاره دارد. قبل از عکاسی، می‌توانید دوربین خود را به محل مورد نظر ببرید تا ببینید نور طبیعی چقدر خوب است. شما می توانید از آنجا تصمیم بگیرید که ممکن است به چه چراغ های اضافی نیاز داشته باشید. یا چگونه می توانید نور را تنظیم کنید. به عنوان مثال، می‌توانید از تخته‌های جهشی برای انعکاس نور یا پرچم‌های سیاه برای مسدود کردن آن استفاده کنید.

در این ویدئو، دیکینز در مورد چگونگی توجه به نحوه رفتار نور طبیعی – در طول سفرهای ماهیگیری در کودکی، صحبت می کند. Deakins همچنین طرفدار سادگی در مورد نورپردازی است.

امانوئل لوبزکی، فیلمبردار، نور طبیعی فیلم را در فیلم The Revenant اثر آلخاندرو ایناریتو به حداکثر رساند. مصاحبه او با GoldDerby یک آغازگر فوق العاده برای یافتن و کنترل نور موجود در مکان های عکسبرداری در فضای باز است.

به عنوان مثال، او در مورد استفاده از ساعت جادویی یا نور ملایم ایجاد شده توسط خورشید در پایان روز، برای لحظات خاص صحبت می کند. و علاوه بر این، او در مورد اینکه چگونه انتخاب لوکیشن ها، و نحوه ظاهر شدن آنها در زمان های مختلف روز، خلق و خوی مناسب را برای عکسبرداری ایجاد می کند، صحبت می کند. برای آشنایی بیشتر با فیلمبرداری وعکاسی در نور طبیعی مقاله عکاسی با نور طبیعی را بخوانید.

امیدواریم از این مقاله لذت برده باشید.

منبع: studiobinder.com

نوشته بهترین تکنیک های نورپردازی فیلم: راهنمای فیلمساز برای نگاه سینمایی اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.

ریتم در عکاسی چیست؟

مانند ریتم در موسیقی، ریتم در عکاسی ساختار و ثبات را برای تصاویر به ارمغان می آورد. ریتم می تواند نگاه بینندگان را در یک ضربان ثابت نگه دارد. یا می تواند با حرکت چشمان شما روی تصویر، سرعت را افزایش دهد. عکاسی ریتم دارای عناصری است که در سراسر تصویر تکرار می شوند. این می تواند یک سری اشکال باشد که برای ایجاد یک الگو تکرار می شوند. یا می توانید چندین سوژه داشته باشید که در نقاط مختلف کادر ظاهر می شوند.

آوردن ریتم به عکاسی می تواند به شما در تصمیم گیری آگاهانه در مورد ترکیب بندی کمک کند. می‌توانید به این فکر کنید که می‌خواهید عکس‌هایتان چگونه جریان پیدا کنند. و می‌توانید عناصری را اضافه کنید که تصاویر شما را نشانه‌گذاری می‌کنند، مانند یک درامر که شکوفایی از سقوط سنج را اضافه می‌کند. ریتم در عکاسی به یک جایگاه خاص محدود نمی شود. ریتم را در خیابان، معماری و عکاسی خبری خواهید یافت. پرتره و منظره نیز نمونه هایی از عکاسی ریتم هستند. من شما را با برخی از ضربات و شیارهای عکاسی ریتم آشنا خواهم کرد تا بتوانید ریتم را به عکاسی خود اضافه کنید.

ریتم منظم در عکاسی

با ریتم در عکاسی، ساده ترین ساختار ریتم برای شناسایی، ریتم منظم است. عکسی با این نوع ریتم دارای عناصر یکسان بسیاری است که تکرار می شوند. آنها در فواصل زمانی منظم تکرار می شوند و به شما یک ریتم ثابت و استاندارد می دهند. عناصر می توانند اشکال هندسی یا دایره های متحدالمرکز باشند. یا می توانند انسان یا حیوان باشند که در خطوط یا ردیف ها قرار گرفته اند. عناصر تنظیم شده ساختار را به ترکیب می آورند. خطوط و اشکال ایجاد شده توسط عناصر ریتمیک چشم را به سمت خاصی هدایت می کند. و آنها می توانند توجه شما را بر روی یک منطقه خاص از تصویر متمرکز کنند.

در تصویر معماری زیر، ریتم توسط اشکال تکراری ایجاد شده است. آنها از نظر شکل یکسان هستند و به یک اندازه فاصله دارند. این یک ریتم بصری ثابت ایجاد می کند. این واقعیت که شکل بارها تکرار می شود، چشم را به جهات مختلف می فرستد و به عکس ریتم سریعی می بخشد.

ریتم تصادفی

یک ریتم تصادفی در عکاسی ساختار کمتری دارد. ما هنوز عناصری داریم که تکرار می شوند. اما در فواصل نامنظم ظاهر می شوند. آنها در خطوط مستقیم قرار نمی گیرند یا با ساختار سفت و سخت مطابقت ندارند. تصویری با عناصری که به طور تصادفی قرار گرفته اند همچنان می تواند ریتم ثابتی داشته باشد. موقعیت آنها ممکن است یکنواخت نباشد. اما می توانند ریتمی ایجاد کنند که بیننده را در تصویر ببرد.

تصویر گاوهای بالا نمونه ای از ریتم تصادفی است. گاوها به طور نامنظم در مزرعه می ایستند. هیچ شکلی برای موقعیت آنها وجود ندارد. اما یک شکل تکراری وجود دارد که چشم را به سمت افق می کشاند. در عکس زیر تعدادی بالون هوای گرم داریم. مانند گاوها، آنها به طور تصادفی در سراسر تصویر پخش می شوند. ما اشکال مشابهی داریم که از جلو و پشت تصویر منعکس می شوند. هر بادکنک ضربانی از یک ریتم تصادفی است.

ریتم متناوب در عکاسی

ریتم متناوب در عکاسی جایی است که تصویر دارای دو ریتم متفاوت است. آنها می توانند با هم کار کنند و ساختارهایی را فراهم کنند که یکدیگر را منعکس کنند. یا می توانند علیه یکدیگر کار کنند. ریتم های متناوب می توانند هارمونی یا ناهماهنگی را به تصاویر شما بیاورند. عناصر تکراری یک ریتم می توانند چشمان ما را به یک جهت هدایت کنند. سپس دومی می تواند قطع یا تغییر مسیر دهد. ضربان آنها می تواند مطابقت داشته باشد. یا می توانند مقابله کنند و درگیر شوند.

تصویر زیر نمونه کاملی از تقابل ریتم های جایگزین است. ما یک سری دایره داریم که چشم را به سمت داخل و به سمت مرکز می کشند. اما سایه‌ها الگویی از خطوط مورب مستقیم ایجاد می‌کنند که در هر دایره برش می‌دهند. این خطوط چشمان ما را در جهت دیگری وادار می کنند.

ریتم پیشرو در عکاسی

ریتم پیشرو در عکاسی بالاتر از داشتن الگوهایی است که در عکس پیشرفت می کنند. آنها ضربات تکراری هستند که یک پیشرفت در عکس ایجاد می کنند. اینها می توانند ریتم های منظم اما با تغییر دیدگاه باشند. تغییر زاویه می تواند به هدایت چشم بیننده به سمت سوژه کمک کند. یا ساختار مترقی می تواند موضوع باشد.

یک ریتم پیشرونده در عکاسی جهت روشنی دارد. ریتم بصری خطوط مورب ایجاد می کند که در سراسر تصویر بریده می شود و چشم را جلب می کند. ما می توانیم این را در صحنه زیر مشاهده کنیم. ما یک ردیف ماشین برداشت در کار داریم. همه آنها دوتایی خم شده اند و پشت سر هم کار می کنند. ریتمی که این ایجاد می کند چشم ما را به سمت پایین می کشاند. وقتی به نزدیک ترین فرد نگاه می کنیم، واکنش طبیعی ما این است که روند پیشرفت را به سمت پایین ادامه دهیم.

ریتم مواج

مواج ریتم بصری دیگری است که در عکاسی پیدا می کنیم. این ریتم در عکاسی در مورد اشکال نرمی است که در تصاویر می چرخند. ریتم بصری موج دار در ترکیب بندی منظره رایج است. ما اغلب تپه‌هایی را می‌بینیم که از پیش‌زمینه به پس‌زمینه موج می‌زنند. این یک ریتم بصری ملایم است که تصاویر را با احساسی ملایم و هماهنگ می سازد. در منظره زیر، ریتم مواج تپه های برفی را می بینیم. هر تپه سفید ما را به دیگری می برد. هیچ شکستگی شدیدی وجود ندارد. به آرامی به هر ضرب ریتم می رسیم.

ریتم شکسته

وقتی صحبت از ریتم در عکاسی می شود، شکستن یک ریتم ثابت می تواند تاثیر زیادی داشته باشد. تکرار یک الگو می‌تواند ما را دچار گیجی کند. اما وقتی این ریتم شکسته می شود، یک شوک بصری به ما وارد می کند.

برای ترکیب عکاسی، شکستن یک ریتم ثابت می تواند تاکید بیشتری داشته باشد. و می تواند نقاط جالبی را در تصاویر شما ایجاد کند. شکستن یک ریتم حتی می تواند ریتم را در عکس برجسته کند. مثال زیر دو تراکتور را نشان می دهد که ریتم ردیف های گندم را می شکنند. ما در دو طرف دو الگو داریم که هر کدام توسط تراکتور شکسته شده است. و مانند پرهای درام، اشکال جدیدی به ریتم بصری اضافه می کنند.

نتیجه

هیچ قانون سختگیرانه ای در عکاسی ریتم وجود ندارد. این جنبه ای از عکاسی است که می تواند ترکیب بندی شما را تقویت کند. این در مورد جستجوی الگوهایی است که منجر می شوند یا پیدا کردن اشکالی که پژواک دارند. چشم خود را به دنبال تکرار و پیشرفت آموزش دهید. ریتم های بصری را پیدا کنید که ضربان و نبض را در کادر شما می زند. می توانید ریتم را در عکاسی خیابانی یا منظره کشف کنید. حتی می توانید ریتم را به پرتره ها وارد کنید.

امیدواریم این مقاله الهام بخش شما برای یافتن ریتم های بصری در عکاسی خود باشد.

منبع: expertphotography.com

نوشته ریتم در عکاسی چیست؟ (آشنایی با انواع ریتم و نحوه استفاده از آن) اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.

شکل در عکاسی: عناصر طراحی کلاسیک که همه عکاسان باید بدانند

شش عنصر هنر کلاسیک و طراحی وجود دارد. شکل تمرکز اصلی ما در این مقاله است. اما برای درک بهتر اصول طراحی گسترده تر، نگاهی سریع به هر شش عنصر خواهیم داشت. هر شش عنصر از نزدیک به هم متصل هستند. بنابراین برای درک عمیق‌تر شکل و فرم در عکاسی، هر شش مورد را بررسی می‌کنیم.

1. شکل

یک شکل دو بعدی است. بله، یک عکس به خودی خود دو بعدی است. اما یک شکل در عکس هیچ عمقی ندارد. می توانید از نورپردازی یا پرسپکتیو برای دادن عمق شکل دو بعدی استفاده کنید. اما هنگامی که حس عمق اعمال شد، یک شکل به شکل سه بعدی تبدیل می شود.

2.فرم

اجسام با ظاهر عمیق به جای شکل، فرم های سه بعدی هستند. بنابراین، با وجود اینکه بخشی از یک تصویر دو بعدی است، بیننده می تواند عمق فراتر از سطح جلوی جسم را تشخیص دهد. نور و سایه به فرم ها عمق می دهند. یا تغییر پرسپکتیو، زوایای و لبه‌های فرم را نشان می‌دهد، به‌جای اینکه نمای رودررو داشته باشیم.

3.خط

خطوط لبه‌های شکل‌ها را تشکیل می‌دهند، اما شکل‌هایی با خودشان را نیز تشکیل می‌دهند. خطوط می توانند چشم را در یک عکس هدایت کنند. و می توانید از خطوط برای تشریح و قاب عکس های خود استفاده کنید. خطوط به عنوان یک ابزار ترکیبی قدرتمند در عکاسی عمل می کنند.

4. الگو

وقتی خطوط، اشکال یا فرم ها تکرار می شوند، یک الگو ایجاد می کنند. الگوها می توانند حس آرامش را ایجاد کنند. یا در صورت شکستن، الگوها باعث ایجاد احساس ناراحتی می شوند.

5. بافت

بافت حس عمق را در یک تصویر دو بعدی ایجاد می کند. بافت در عکاسی را می توان با نور و سایه نیز برجسته کرد.

6. رنگ

رنگ ممکن است در میان عناصر طراحی هندسی نباشد. اما رنگ و کمبود رنگ همچنان در طراحی و عکاسی مهم است. رنگ می تواند جلب توجه کند یا احساسات ما را تحریک کند.

4 نوع شکل در ترکیب بندی عکاسی

شکل در عکاسی چندین عنصر متفاوت دارد. اما اینها اشکالی نیستند که در مدرسه ابتدایی یاد می گیرید. در عکاسی، اشکال را به چند روش مختلف دسته بندی می کنیم:

شکل های هندسی

اشکال هندسی دارای لبه های مستقیم و مشخص هستند. آنها از زوایای و خطوط واضح و یکنواخت تشکیل شده اند. شما اغلب اشکال هندسی را در سازه های مصنوعی مانند ساختمان ها خواهید یافت. و این اشکال اغلب در عکاسی انتزاعی و معماری نمایان می شوند.

اشکال ارگانیک

اشکال ارگانیک پر از منحنی هستند و ممکن است از نظر هندسی کامل نباشند. آنها طبیعی و غیر یکنواخت هستند. ما اشکال ارگانیک را در طبیعت پیدا می کنیم. به عنوان مثال، آنها را در منحنی شاخه درخت یا شکل گلبرگ گل پیدا خواهید کرد.

اشکال مثبت

شکل مثبت همان چیزی است که وقتی به یک شکل فکر می کنیم ابتدا به آن فکر می کنیم. شی خود شکل مثبتی می سازد. اگر جسم را ببینیم، شکل مثبت آن را می بینیم.

فضای منفی

فضای منفی هر ناحیه ای از عکس است که توسط اشیا اشغال نشده باشد. برای مثال، فضای منفی می تواند یک شکاف در دیوار دره یا شکلی باشد که از طرح کلی دو شکل مثبت ایجاد شده است.

10 راه برای استفاده از شکل و فرم در ترکیب بندی عکاسی

همه این مفاهیم و ایده ها جالب هستند. اما چگونه آنها را عملی می کنید؟

اولین قدم این است که بفهمیم اشیایی که می بینیم از اشکال، فرم ها و خطوط تشکیل شده اند. ساختارشکنی تصاویر به این روش به درک ترکیب بندی در عکاسی کمک می کند. شما می توانید کار خود را بررسی کنید و به دنبال شکل و فرم در عکاسی خود باشید. و می توانید کار سایر عکاسان را مطالعه کنید تا ببینید چگونه از فرم در عکاسی استفاده می کنند. قدم بعدی اضافه کردن این مفاهیم به عکاسی است. در اینجا چند نکته برای استفاده از شکل و فرم در ترکیب عکاسی آورده شده است.

1. از شکل و فرم برای تأثیرگذاری بر خلق و خو در عکاسی خود استفاده کنید

ما می دانیم که رنگ های خاص می توانند احساسات ما را بیدار کنند. اما اشکال و فرم ها نیز می توانند به حال و هوای کلی عکس کمک کنند. درک اینکه چگونه شکل و فرم می تواند به خلق و خوی یک عکس کمک کند، ابزار بیشتری برای کار در اختیار شما قرار می دهد. می توانید راه های جدیدی برای بیان احساسات و داستان گویی پیدا کنید.

شکل های گرد مانند دایره ها و بیضی ها به دلیل نداشتن گوشه ها و لبه ها حس حرکت را ایجاد می کنند. فرم های گرد مربوط به آرامش و آرامش است.
مربع ها و مستطیل ها باعث ایجاد احساس ثبات می شوند. خطوط مستقیم مفاهیمی از اطمینان و قدرت دارند. آنها همچنین دارای ویژگی خشن هستند که به لجبازی یا عصبانیت مربوط می شود.
مثلث ها در عکاسی چشم را مانند یک تیر هدایت می کنند. مثلث را وارونه بچرخانید تا روی نقطه خود قرار گیرد و این نشان دهنده از دست دادن تعادل است. شکل‌های نامنظم، که طول‌های کناری آن‌ها متفاوت است، می‌تواند احساس تنش و ناراحتی را در عکاسی شما ایجاد کند.

عکاسان همچنین می توانند از خطوط برای تأثیرگذاری بر حال و هوای تصاویر خود استفاده کنند. جهت خط می تواند حالت تصویر را تعیین کند. به نظر می رسد خطوط مورب به جایی می روند، بنابراین احساس حرکت و جهت را ایجاد می کنند. خطوط و اشکال مورب، بسته به اینکه به کجا اشاره می کنند، چشم را به جهات خاصی هدایت می کنند. یک خط مورب پیشرو که به دوردست می رود، به عکس حس عمق می بخشد.

یک خط عمودی تمایل به ایجاد احساس قدرت و ثبات دارد. از طرف دیگر، یک خط افقی با یک تصویر آرام یا صلح آمیز همراه است. یک خط افق دور از دریا یک مثال عالی است. خطوط منحنی حسی مشابه دایره ها و بیضی ها ایجاد می کنند و حس حرکت را ایجاد می کنند. خطوط منحنی شکل های ارگانیک را ایجاد می کنند که مفاهیم طبیعی و صلح آمیز تری دارند.

2. شکل و فرم را در عکاسی دستکاری کنید

شما همیشه نمی توانید شکل اشیاء را در تصاویر خود تغییر دهید. می توانید یک تکه کاغذ را به صورت توپ خرد کنید. یا می توانید یک سیب را از وسط نصف کنید. اما گرد کردن لبه های یک بلوک مربعی بتن بسیار سخت تر است.

این بدان معنا نیست که شما نمی توانید نقش شکل و فرم را در عکاسی تغییر دهید. به عنوان مثال، می توانید از ضلع پهن یک انبار عکس بگیرید تا یک شکل مستطیلی ایجاد کنید. یا می توانید دیدگاه خود را برای دستکاری شکل همان انبار تغییر دهید. می توانید در گوشه ای بایستید، خطوط مورب ایجاد کنید و شکل را دراز کنید.

می توانید با نور پس زمینه از یک توپ به صورت جامد و گرد عکس بگیرید. یا می توانید از نور جانبی برای عمق بخشیدن به فرم استفاده کنید. همچنین می توانید از این تکنیک برای تغییر شکل گرد به هلال با استفاده از نور و سایه استفاده کنید. این همان چیزی است که با نور خورشید در ماه اتفاق می افتد.

3. اشکال و فرم های مختلف را با بازی با پرسپکتیو پیدا کنید

از زوایای مختلف، یک فرم سه بعدی به نظر می رسد که اشکال مختلفی به خود می گیرد. یک لیوان قهوه، وقتی از کناره دیده می شود، یک استوانه است. همان فنجان، از بالا، یک دایره کامل است. تنظیم پرسپکتیو می تواند شکل بسیاری از اشیاء را تغییر دهد.

شی را از هر زاویه ای کاوش کنید. شکلی را پیدا کنید که بیشتر شما را مجذوب خود می کند یا شکلی را که حال و هوای مورد نظرتان را ایجاد می کند. باز هم، پرسپکتیو به شما امکان می دهد بین عکاسی از یک شکل یا یک فرم یکی را انتخاب کنید. برای یک شکل مستقیم به سمت آن شلیک کنید. یا حرکت کنید تا زمانی که بتوانید چندین ضلع را به طور همزمان برای حس عمق ببینید.

4. از نور برای افزودن سه بعد استفاده کنید

روش دومی که عکاسان می توانند اشکال را به فرم های سه بعدی تبدیل کنند، نور است. اگر می خواهید بر شکل تأکید کنید، نور را مستقیماً در جلو یا پشت سوژه قرار دهید. که یا یک شبح یا یک شکل با نور جلو ایجاد می کند.
اگر می خواهید یک فرم سه بعدی نشان دهید، نور را حرکت دهید تا با زاویه به سوژه برخورد کند. نور جانبی سایه هایی ایجاد می کند که به مغز ما نشان می دهد که یک سوژه یک فرم سه بعدی است.

5. از فاصله کانونی برای بازی با شکل و فرم استفاده کنید

عدسی که استفاده می کنید نقش مهمی در نحوه ظاهر شدن اشکال در تصویر شما دارد. به عنوان مثال، لنزهای زاویه باز تمایل دارند خطوط مستقیم را مخدوش کنند. و لنزهای شیب دار (تیلت شیفت) این اعوجاج را اصلاح می کنند. اما انتخاب لنز فراتر از اعوجاج است. فاصله کانونی لنز یا فاصله را تقویت می کند یا آن را به حداقل می رساند.

لنزهای واید باعث می‌شوند که فاصله بین اجسام بزرگ‌تر از آنچه واقعا هستند به نظر برسد. یک لنز تله فوتو باعث می شود که اشکال مختلف به هم نزدیکتر به نظر برسند.
اگر می خواهید دو جسم بدون حرکت دادن اشیا نزدیکتر به هم نگاه کنند، از لنز بلندتری استفاده کنید. برای ایجاد فاصله بیشتر، از یک لنز بازتر استفاده کنید.

هنگام کار با فرم، همین مفهوم در مورد بخش هایی از یک شیء مشابه صدق می کند. اگر فرم شامل قسمت‌هایی باشد که به دوربین نزدیک‌تر هستند، یک لنز با زاویه باز این فاصله را بسیار طولانی‌تر نشان می‌دهد. و یک لنز تله فوتو این فاصله را به حداقل می رساند.

6. از خطوط در ترکیب عکاسی خود استفاده کنید

اشکال و فرم ها ابزار ترکیب بندی قوی در عکاسی هستند. اما یک خط واحد نیز می تواند ابزار مفیدی برای ترکیب بندی باشد. شما می توانید به همان روشی که به دنبال اشکال هستید، خطوط را جستجو کنید. به دنبال خطوطی باشید که می توانند چشم را به سمت سوژه هدایت کنند. یاد بگیرید که خطوط مستقیمی را که به دوردست می روند و عمق ایجاد می کنند، تشخیص دهید.

خطوط می توانند بافت ایجاد کنند. و گروه هایی از خطوط می توانند اشکال جدیدی ایجاد کنند. دیدگاه خود را تغییر دهید تا به خطوط یک محور جدید ببخشید. این می تواند به تغییر هدف خطوط در عکاسی شما کمک کند.

به آنچه می خواهید تصویرتان بگوید فکر کنید. آیا به دنبال اشکال یا خطوط هستید؟ اگر مطمئن نیستید، عکس های خود را ساده کنید. با عکاسی انتزاعی، عکاسی از اشکال و خطوط اولیه آزمایش کنید.

7. برای ایجاد الگوها به دنبال چندین شکل باشید

به احتمال زیاد، شما از یک شکل در پس‌زمینه خالی عکس نمی‌گیرید. حواستان به تکرار شکل باشد. یا شاید اشکال در نواحی مختلف عکس منعکس شوند. می توانید از اشکال تکراری برای ایجاد الگو در عکس های خود استفاده کنید. آنها می توانند الگوهای انتزاعی باشند. یا الگوها می توانند چشم را هدایت کنند یا توهم ایجاد کنند.

به دنبال اشکال متضاد با یکدیگر باشید. شما ممکن است انواع مختلفی از اشکال هندسی را پیدا کنید. یا می توانید اشکال هندسی و ارگانیک را متضاد کنید.
هنگامی که شروع به جستجوی اشکال در عکاسی کنید، مهارت های ترکیب بندی شما بهبود می یابد. می توانید با عکس های مینیمالیستی شروع کنید. و می‌توانید مهارت‌هایی را که توسعه می‌دهید در زمینه‌های مختلف عکاسی به کار ببرید.

8. به دنبال اشکال در فضای منفی باشید

اشکال منفی چندان رایج نیستند زیرا تشخیص آنها سخت تر است. اما این بدان معنا نیست که شما باید آنها را به طور کامل نادیده بگیرید. وقتی فضای خالی بین دو جسم شکل قابل تشخیصی ایجاد می کند، می تواند یک ترکیب قوی ایجاد کند. و یک شکل منفی اغلب می تواند تأثیر مهم تری نسبت به شکل مثبت داشته باشد.
وقتی به شکل و فرم نگاه می کنید، به فضای بین اشیاء توجه کنید. چه اشکالی را می توانید در آن مناطق پیدا کنید؟

9. تعادل را در ترکیب خود پیدا کنید

به این فکر کنید که شکل و فرم چگونه بر عکس های شما تأثیر می گذارد؟ آیا آنها بخش کوچکی از تصویر هستند؟ یا کل عکس را پر می کنند؟ تعادل به این بستگی دارد که چه فضایی در اطراف اشکال باقی می گذارید. می‌توانید ترکیب‌های پراکنده و مینیمالیستی داشته باشید که بر روی اشکال در عکاسی تمرکز دارند. یا می توانید از اشکال و فرم ها در عکاسی برای ساختن تصاویر پیچیده تر استفاده کنید.

10. با بزرگنمایی یا جابجایی به یک لنز زاویه باز آزمایش کنید. احساس آن شکل چگونه تغییر می کند؟

یک عکس با زاویه باز از یک شکل هندسی ساده می تواند حس مینیمالیسم را ایجاد کند. یا می توانید یک نمای نزدیک از شکل را امتحان کنید تا بافت را برجسته کنید یا خطوط را تقویت کنید.

تعادل می تواند به تعیین جنبه های شکلی که توجه بیننده را جلب می کند کمک کند. به عنوان مثال، برای اغراق در شکل کاملاً فاصله دار در یک قطعه معماری، سعی کنید فضایی را در اطراف جسم باقی بگذارید. می توانید فضایی را به اندازه اندازه جسم بگذارید. یا می توانید از فضای منفی بیشتری استفاده کنید.

با استفاده از قانون یک سوم، بر روی احساسات یک فرم منحنی بسازید. یا با در مرکز قرار دادن ترکیب، تقارن کامل یک شکل را اغراق کنید.

11. از قدرت مثلث ها استفاده کنید

هر شکلی در عکاسی نقشی دارد. اما مثلث ها یکی از قوی ترین اشکال در عکاسی هستند. آنها نقطه ای ایجاد می کنند که چشم را هدایت می کند. و می توانند بیننده را هدایت کنند یا توجه او را به نقطه خاصی جلب کنند. به دلیل این حرکت، متخصصان پرتره اغلب پیشنهاد می کنند که گروهی از افراد را به صورت مثلثی دربیاورند. این چشم را تشویق می کند تا در کل گروه حرکت کند.

شما می توانید مثلث ها را در فضاهای هندسی یا ارگانیک پیدا کنید. و می توان آن ها را برای ایجاد فرم های سه بعدی در عکاسی، مانند اهرام، کنار هم قرار داد.

خلاصه:

در زندگی روزمره، ما تمایل داریم چیزها را همان طور که هستند ببینیم. اما به‌عنوان عکاس، باید نگرش خود را به جهان تغییر دهیم. ما باید با دقت بیشتری به شکل و فرم نگاه کنیم. ما می‌توانیم کمی عمیق‌تر نگاه کنیم تا ببینیم چه شکل‌ها و فرم‌هایی دنیایی را که می‌بینیم تشکیل می‌دهند.

ترکیب بندی همیشه تحت تأثیر آنچه شما به عنوان یک فرد الهام می بخشد خواهد بود. اما یادگیری نحوه استفاده از شکل و فرم در عکاسی می تواند به شما در توسعه سبک ترکیب بندی کمک کند. شکل و فرم در عکاسی جزء ضروری ترکیب بندی تصویر هستند. هنگامی که اشکال و فرم هایی که دنیای اطراف ما را می سازند را درک کردید، می توانید عکس های قدرتمندی بسازید.

منبع: expertphotography.com

نوشته نحوه استفاده از فرم و شکل در ترکیب بندی عکاسی (آموزش عکاسی) اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.

بی رول به چه معناست و چرا منبع ارزشمندی برای فیلمسازان است؟

فیلم بی رول چیست؟

فیلم B-roll، Broll یا B roll هر ویدیوی تکمیل کننده است. این فیلم ها به نوعی برای فیلم اصلی شما تکمیل کننده هستند. B-roll را می توان با یک واحد جداگانه جمع آوری کرد، می توان ان هارا از فیلم های استوک، یا از هر منبعی غیر از شات های اصلی شما تهیه کرد.

اصطلاح A-roll یا B-roll در اولین روزهای فیلم سازی هالیوود، زمانی که فیلم اصلی A-roll نامیده می شد، نشأت گرفت. یک رول یکسان از فیلم، B-roll یا B-reel، برای فیلر و ترنزیشن ها استفاده شد.

ویژگی های فیلم بی رول چیست؟

• ممکن است توسط تصویربردار یا فیلمبردار دوم، فیلمبرداری شود.
• ممکن است از کتابخانه های استوک فیلم بیرون کشیده شود.
• ممکن است نیاز به صدا نداشته باشد.
• تصاویر پشتیبانی و قسمت های بریده را ارائه می دهد.
• همچنین می تواند برای ایجاد شات استفاده شود.

در عصر دیجیتال فیلمسازی، اصطلاح A-roll از کاربرد عملی خارج شده است، اما معنای B-roll همچنان اصطلاحی است که فیلمسازان باید بدانند. آیا در مورد معنای بی رول سوالی دارید؟ این ویدیو آن را روشن می کند:

هنگام ساخت یک لیست شات، مطمئن شوید که هم زمان و هم برنامه های فیلمبرداری B-roll را در نظر بگیرید. وقتی فیلمسازان A-roll در مقابل B-roll را در طول پیش تولید در نظر نمی گیرند، اغلب در تدوین خود با خلأهایی مواجه می شوند.

فیلمسازان بزرگ راهی برای ترکیب A-roll و B-roll با برنامه ریزی دقیق نماهایشان پیدا می کنند. آن‌ها نیاز به ویدیوی B-roll را از بین می‌برند، اما این بدان معنا نیست که تیم آنها هنوز فیلم اضافی دریافت نمی‌کند.

بیایید به سرعت به نمونه هایی از فیلم B-roll در هر دسته ویدیو نگاه کنیم.

نمونه های شات بی رول

کاربردهای مختلف ویدیوی بی رول
فیلم B-roll در طیف گسترده ای از محتوای ویدیویی استفاده می شود:

نمونه فیلم مستند B-roll
تریلر مستند The King of Kong: A Fistful of Quarters:

هر زمان که فیلمی از گذشته می بینید، یا فیلمی که مصاحبه سر صحبت نیست، می توانید با خیال راحت آن ویدیو را B-roll بدانید.

بسته خبری B-roll نمونه فیلم

فیلم B-roll برای یک بسته خبری در مورد قهوه از CNN:

شما اخبار را تماشا کرده‌اید، بنابراین می‌دانید که تقریباً نیمی از آنچه می‌بینید، عکس‌های B-roll است که زمینه‌ای را برای موضوع خاصی که تحت پوشش قرار می‌گیرد به شما می‌دهد.

فیلم بلند B-roll نمونه فیلم
صحنه آغازین/پایان مزرعه گندم از گلادیاتور:

این صحنه شامل بدلکاری راسل کرو است. این یکی از نمادین‌ترین فیلم‌های فیلم مدرن و نمونه‌ای عالی از فیلم بلند B-roll است.

تلویزیون B-roll نمونه فیلم
صحنه های پایه گذاری در سینفلد:

بسیاری از کمدی‌ها برای انتقال و ایجاد عکس‌ها به فیلم‌های B-roll تکیه می‌کنند، زیرا خیلی چیزها روی صحنه‌های صوتی ضبط می‌شوند. فیلمسازان می توانند فیلم های بیرونی را ضبط کنند و سپس از آن برای نشان دادن مکان صحنه استفاده کنند.

نمونه فیلم واقعی بی رول

در اینجا تریلر فیلم Dating Around Netflix آمده است:

هر فیلمی که بخشی از تاریخ واقعی و مکالمه اصلی با شرکت کنندگان نباشد، در حال تماشای ویدیوی B-roll هستید. Reality TV برای انتقال، ایجاد عکس‌ها و پوشش شکاف‌های ویرایشی بر فیلم‌های B-roll متکی است.

فیلم عروسی B-roll نمونه فیلم

در اینجا یک مثال خوب از بی رول در یک ویدیوی عروسی آورده شده است:

بیشتر این ویدیو فیلم B-roll است و نمونه خوبی از این است که چگونه فیلم دلپذیر همراه با موسیقی می‌تواند لحن را بدون حجم عظیمی از محتوا یا روایتی عمیق منتقل کند.
برای آشنایی با انواع برش در سینما مقاله کات در سینما را بخوانید.

منبع: studiobinder.com

نوشته بی رول چیست: تفاوت بین A-Roll و B-Roll Footage اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.

ابتدا بیایید کات را در فیلم تعریف کنیم

کات ها در فیلم استفاده می شود تا ما را از یک تصویر به تصویر بعدی ببرند. بر خلاف ترنزیشن، کات ها جا به جا کنندگان آنی هستند. به طوری که می گویند آنها به تدریج رخ نمی دهند. این ویدیوی بعدی از بررسی کات های اساسی کار بسیار خوبی انجام می دهد. اگر در زمینه تدوین تازه کار هستید، حتما آن را تماشا کنید.

من می‌توانم بگویم بزرگ‌ترین برداشت من از ویدیوی Folding Ideas این است که کات ها فقط یک جنبه فنی فیلم‌سازی نیستند. آنها یک جنبه خلاقانه نیز هستند. قبل از اینکه به نمونه های کات فیلم خود بپردازیم، اجازه دهید به سرعت اصطلاح “کات فیلم” را تعریف کنیم.

برش (کات) فیلم چیست؟

کات فیلم یک انتقال فوری تدوین است. خیلی ساده، یک برش فیلم برای جا به جایی مستقیم از یک پلان به پلان بعدی یا از یک صحنه به صحنه بعدی است. انواع مختلفی از کات ها در سینما وجود دارد. بعضی از آن ها مفهومی و برخی روایتی هستند. اما همه آنها فنی هستند و همه با اتصال مستقیم بین تصاویر تعریف می شوند.

انواع کات در سینما

Basic cut
J Cut & L Cut
Cut-in
Jump cut
Match cut
Cutaway

بررسی انواع کات در سینما

انواع مختلفی از کات ها در فیلم وجود دارد که هر کدام کاربرد استاندارد و ارزش داستانی خاص خود را دارند. البته همه قوانین (مخصوصا در فیلمسازی) برای شکستن هستند. در اینجا برخی از محبوب ترین انواع کات ها و معنای آنها در زبان فیلم آورده شده است:

Basic cut

کات اصلی یا basic cut: گاهی اوقات به عنوان یک برش سخت، برش مستقیم در فیلم یا به سادگی “کات” نامیده می شود. زمانی است که بین دو شات (صوتی و ویدئویی) بدون تاکید دیوانه وار جا به جا می شویم. برای اطلاعات بیشتر در مورد کات های اساسی، ویدیوی ما را در مورد “عکس معکوس” در زیر بررسی کنید.

همانطور که از نمونه‌های موجود در ویدیو دیدیم، برش اصلی پایه تقریباً هر صحنه تدوین شده است. همچنین این تکنیک اساسی است که در شوت معکوس استفاده می شود. پوشش عکس معکوس معمولاً از تعداد زیادی برش اساسی استفاده می کند. چیزی شبیه به این پیش میاد:

همانطور که گفته شد، این که چه زمانی برش می دهید و چه چیزی را می برید، ملاحظات کاملاً متفاوتی هستند. این است که چگونه سرعت، عملکرد، و تداوم در ویرایش شکل می گیرد – چیزی که احتمالا شنیده اید که به عنوان بازنویسی نهایی از آن یاد می شود.

• شات
• برش دادن
• شات معکوس
• برش دادن
• برگشت به شات1

توصیه من برای درک برش های اساسی این است: بیش از حد به آن فکر نکنید. کات های اصلی فقط انتقال آنی از یک شات به شات دیگر هستند. سرعت، عملکرد و تداوم در تدوین شکل می‌گیرد. چیزی که احتمالاً شنیده‌اید که از آن به عنوان بازنویسی نهایی یاد می‌شود.

مهم ترین کات های سینمایی:

L CUT/ J CUT

جا به جا کننده های صوتی و تصویری هستند، که با دنباله های صوتی یا تصویری تعریف می شوند. وقتی دو نما کنار هم داریم، قبل از تمام شدن نمای قبلی، صدای نمای بعدی به گوش می رسد، به این کات L-CUT می گویند. زمانیکه روی صدای نمای اول، تصویر نمای دوم ظاهر شود،J-CUT می گویند.

J کات ها و L کات ها، جا به جا کننده های فوق‌العاده مفیدی هستند و استفاده از آن ها در فرآیند تدوین بسیار آسان است. این تکنیک‌های مرتبط تعدادی از مزیت‌های داستان سرایی دارند، در درجه اول به عنوان راهی برای هموار کردن این جا به جایی.

جابجایی از یک صحنه به صحنه دیگر می تواند تا حدودی برای مخاطب مختل شود. برای مبارزه با این موضوع، همپوشانی ویدیو یا صدا به پر کردن شکاف کمک می کند.

Cut-in

کات ها اغلب به عنوان عکس‌های درج شده (به ویژه در فیلم نامه نویسی) شناخته می‌شوند. آیا می خواهید یاد بگیرید که چگونه فیلمسازان اصلی از کات این ها استفاده می کنند؟ ویدیوی ما را در فیلم “چگونه برادران کوئن شلیک می کنند” در زیر ببینید.

اساساً، برش‌های Cut in زمانی هستند که از یک شات به یک عنصر نزدیک‌تر از همان شات برش می‌زنیم. به عنوان مثال: بگوییم ما یک لانگ شات از شخصیتی داریم که کتابی را در دست دارد. اگر بخواهیم بر چیزی که شخصیت می‌خواند تأکید کنیم، ممکن است یک شات از جلد کتاب را برش دهیم.

Jump cut

جامپ کات، کات های «توجه طلبانه» هستند. آنها با جابه جایی سریع و سخت از یک شات به شات دیگر مشخص می شوند. این صحنه از The Royal Tenenbaums حاوی تعداد زیادی جامپ کات است. صحنه را تماشا کنید و به نحوه تکه تکه شدن زمان توجه کنید که کاملاً با وضعیت احساسی تکه تکه شده ریچی مطابقت دارد.

Jump cut توسط کارگردانان موج نو فرانسوی مانند ژان لوک گدار، اگنس واردا و فرانسوا تروفو رایج شد و امروزه هم در سینما از آنها استفاده می شود.

ممتاز دیزاین در مقاله بهترین نرم افزارهای تدوین، شما را با بهترین ابزارهای ادیت فیلم آشنا می کند.

Match cut

Match-cut ها برش هایی هستند که ترکیبات بصری، روایی یا نمادین را می گیرند و آنها را به یک کادر متفاوت منتقل می کنند. انواع مختلفی از match cut وجود دارد. اگر می خواهید در مورد انواع مختلف بیشتر بدانید، ویدیوی ما را در زیر مشاهده کنید

Match cuts قطعا کات های آشکاری هستند. اما برای ساختن جریان بدون درز عالی هستند. ممکن است گفتن اینکه برشی که توجه را به خود جلب می‌کند، می‌تواند چیزی بدون درز ایجاد کند، ممکن است بد به نظر برسد. اما می تواند.

اگر می‌خواهید از Match cuts در ویدیوهای خود استفاده کنید، در نظر بگیرید که چگونه فیلمسازان چیره دستی مانند استنلی کوبریک و دیوید لین این کار را در گذشته انجام داده‌اند.

CUTAWAYS

این کات در سینما اغلب بیشتر فلسفی هستند تا فنی. به عنوان مثال: فلاش بک های کوتاه اغلب در اطراف برش ها ساخته می شوند. هدف یک کات این است که یا ما را به مکان/زمان دیگری منتقل کند یا بر چیزی بسیار مهم در یک محیط زنده تأکید کند.

آیا می خواهید برخی از برش ها را در عمل ببینید؟ اگر پاسخ مثبت است، ویدیوی Fandor را در زیر ببینید.

کات ها اغلب نیاز به برنامه ریزی از قبل دارند. فقط هنگام برنامه ریزی برای تولید ویدیوی بعدی خود این را در نظر داشته باشید.

نحوه استفاده از کات در سینما

اکنون که برخی از انواع مختلف کات در سینما را مرور کردیم، بیایید نحوه اعمال آنها را بررسی کنیم. برش‌های فیلم «کات» نامیده می‌شوند، زیرا از نظر تاریخی، یک تدوینگر به معنای واقعی کلمه بین قطعات فیلم را برش می‌دهد، سپس قطعات دیگر را به هم متصل می‌کند تا نماهای جدیدی ایجاد کند. اگر می‌خواهید درباره این فرآیند و اینکه چگونه منجر به ایجاد ویرایش پیوسته شد، بیشتر بدانید، ویدیوی Filmmaker IQ زیر را ببینید.

امروزه، تدوینگران دیجیتال به راحتی می‌توانند با کشیدن و انداختن کلیپ‌ها روی یکدیگر در جدول زمانی، بین شات ها «کات» بزنند. فقط به یاد داشته باشید: کات ها جا به جایی های آنی هستند. برای کات بین شات ها نیازی به اعمال هیچ افکتی ندارید.

Cross-cutting& parallel editing

CROSS CUTTING به معنی تدوین موازی است. وقتی می خواهیم 2 اتفاق همزمان را با هم پیش ببریم، از این کات استفاده می کنیم. البته این دو اتفاق هیچ وقت نباید به هم برسند، به همین دلیل به این کات تدوین موازی می گویم. اگر دو اتفاق به هم برسند، تدوین متناوب را خواهیم داشت.

برش ها تنها بخشی از درک زبان تدوین فیلم هستند. تدوین موازی اصطلاح مهم دیگری است که باید بدانید – اما تدوین موازی در فیلم چیست؟ در مقاله بعدی، ویرایش موازی را با مثال هایی از Rocky، Inception و موارد دیگر توضیح خواهیم داد. در پایان، خواهید فهمید که تدوین موازی چیست و چگونه آن را در فیلم های خود پیاده سازی کنید.

منبع: studiobinder.com

نوشته برش(کات) در سینما چیست؟ ادیت کات و ساخت ترنزیشن (راهنمای تدوین) اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.

چگونه عکسی با زوم انفجاری بگیریم؟

برای این ترفند شما نیاز به خریدن دوربین های گران قیمت و لنز های فلان ندارید. شما می توانید تنها با یک دوربین DSLR یک لنز تله و ترجیحا سه پایه نیاز دارید.

1- ابتدا دوربین را روی سه پایه نصب کنید. از سرعت شاتر کم استفاده کنید تا اون حالت کشیدگی ایجاد شود. (اگر سه پایه در اختیار ندارید به تکیه گاه تکیه دهید و یا دست هایتان را در ثابت ترین حالت قرار دهید)

2- مود TV را انتخاب کنید تا اولویت تان با شاتر باشد. شاتر را حدودا بین 1 تا 4 ثانیه تنظیم کنید به طور کامل زوم کنید و فوکوس را دقیق روی سوژه انجام دهید. حال زوم خود را کم کرده تا کادر اصلی تان را مشاهده کنید.

3- دکمه شاتر را فشار دهید و همزمان زوم کنید. سعی کنید با سرعت یکسان زوم کنید (کشیدگی یکسانی داشته باشد.) تا زمانی که نوردهی به پایان برسد.

نکته

• اگر عکس شما زیادی روشن می شود از دیافراگم بسته استفاده کنید.
• اگر تصویر شما روشن می شود می توانید از فیلتر ND هم استفاده کنید.
• عکاسی انفجاری کاملا وابسته به زمان بندی است.
• اصول ترکیب بندی یکی از نکاتی هست که هر شخصی از آماتور ترین تا حرفه ای ترین افراد باید آگاه باشند.
• خلاقانه از این تکنیک استفاده کنید.
• می توانید به جای زوم کردن دوربین را بچرخانید تا اثر مارپیچ داشته باشید.
• در شب عکاسی کنید. در تاریکی نور پردازی های زیبا فروشگاه ها (روانشناسی رنگ ها) بسیار به چشم می آیند.
• رنگ ها را فراموش نکنید.

نوشته چگونه عکس زوم انفجاری یا Zoom burst بگیریم؟ اولین بار در ممتاز دیزاین. پدیدار شد.